16 de agosto de 2017

Arcimboldo Arte Contemporáneo presenta la exposición “Nocturnos” de Juan Nördlinger


Desde el martes 15 de agosto se puede visitar en Arcimboldo Arte Contemporáneo la exposición “Nocturnos” del pintor Juan Nördlinger. Se trata de pinturas en tela de lugares, personajes y situaciones reales e imaginarios de la ciudad. Permanecerá hasta el 8 de setiembre en Reconquista 761 - PB 14, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
  
Para presentar la reciente producción de Juan Nördlinger nos parece vital retomar una pregunta de Gilles Deleuze: “¿Qué quiere decir hablar de pintura?”… cuestión que el filósofo formulara a propósito, entre otros, de Van Gogh. Su inmediata respuesta reza: “precisamente formar conceptos que están en relación directa con la pintura y solamente con la pintura”.
Nuestro escrito se ampara en esta prescripción que ayuda a prolongar en lo discursivo la creencia de Juan Nördlinger: pintar es crear imágenes en y solo a través de la pintura. Porque incluso en el conocimiento de las estrategias artísticas contemporáneas, el conjunto de las obras que da lugar su exposición en Arcimboldo insiste en la práctica pictórica y en la exploración de su hacer específico. Un trabajo dedicado y delicado, un oficio que implica ritos y tabúes, una técnica en riguroso coajuste con sus materiales, una relación amorosa entre la corporeidad del cuadro y la pericia del artista.
De tal persistencia y concentración ha emanado una nueva densidad poética. Una cierta discontinuidad con el trayecto previo, que intentaremos develar muy cerca de las imágenes. Ellas operan a partir del ejercicio de la visión nocturna: un acontecimiento precario entre seres y entornos, y un desafío para quien se atreve a ampliar las fronteras de la luz visible.
Podemos perseguir en la superficie de la tela el lugar del pintor: primero flâneur, cuerpo en el tránsito de la noche, principalmente en su ciudad y de allí en otras. Un errante sin prisas, sin rumbo; su atención en disponibilidad percibiendo contrapuntos de sombras y luces, acopios de tonos, matices en acorde, reflejos fluviales, las huellas de diversos pasados. Luego, testigo de la nocturnidad, mirada encarnada, íntima… cómplice del clima onírico de una noche que se abre a lo real.

Y lo real pictórico podría ser esa “catástrofe que afecta el acto de pintar en sí mismo. (…) Al punto que sin ella el acto de pintar no podría ser definido” (Deleuze).

¿Qué puede significar esto? Existe para la pintura un antes del acto: es el caos del que surge la figura, ese aciago envés que germina en matriz, ese anclaje trágico que anuda el armazón. Sujeto del caos, el pintor, un poco más acá de lo invisible y un poco más allá de lo visible, conmovido ante la dilatada textura del mundo, situado en el umbral de sonidos intraducibles y de lenguajes aún inaudibles. Paul Klee decía: “Me parece, cuando la noche vuelve a descender, que no pintaré y que jamás he pintado.” Es aún oscuro cuando la mirada empuja la claridad en el acto de pintar. Y cuando se ha constituido la mirada, ya puede haber un secreto que donar a la contemplación. Con cuidado.
 
La mirada de Nördlinger conoce la dimensión de este “casi de noche”, ha experimentado en el descenso hacia lo oscuro la gama que no se extralimita y la claridad que asciende hasta punto de ceguera; temperaturas; colores irreprimibles cuando remontan la máxima gradación declinan morosos detonando penumbras. Entre esos dos confines labora el hecho pictórico  que exhuma del caos el color y la forma por un pincelada muy trabajada de trazos intensos. Sobre, entre, contra la pregnancia de los fondos con sus sutiles variables tonales se ritma el dibujo, geometría de lo informe, y se trazan sus líneas hirientes. La transparencia vincula los planos, el detrás y lo representado. Los artefactos figurativos se distribuyen en una composición estable y pausada incluso en sus recurrentes diagonales o sus superficies trapezoidales; solo aquí o allí, a veces protagónicas, ciertas aceleraciones dadas por la perspectiva o por la materialidad.
Lápiz, grafito, carbonilla, acrílico… lo gráfico y lo pictórico solicitan una contemplación en detalle para descifrarse como textura de la nocturnidad. ¿Es este el concepto que describe la sensación capturada en connivencia con un mundo casi silencioso?

Y sin embargo el secreto está a salvo; el parpadeo que reiteran las tinieblas quiebra los equilibrios en favor de esos fondos que avanzan inestables, expansivos, indiscernibles. Fondos que aparecen en los seres y las cosas, pero no pertenecen ni a los unos ni a las otras. Base geológica hecha de brumas que resguarda la idea de albedrío unida a la de designio. Diagrama.

“Si no existe el diagrama… eso que hace catástrofe sobre el cuadro, entonces ya no hay nada” (Deleuze)

Esmalte estallado sobre el cobre de la tela, mancha corpuscular en una dimensión abstracta, esquema, ley de funcionamiento, los fondos liberan la imagen de los clichés que podrían abrumarla: el fantasma de la fotografía, el espectro del género. Porque en la instantánea la visión se pierde en pos de obtener una vista y es preciso recuperarla al pintar. Ni paisajes urbanos, ni interiores, ni series, ni unidades, pero además… lo que, en definitiva, ponen en escena estos cuadros son estados intersubjetivos de la nocturnidad.
Rembrandt, Whistler, Hopper, Bacon… ¿qué  puede ser lo nocturno para un pintor?...
Dice Nördlinger: “Lo que sucede en la noche es lo mismo que acontece en la pintura: una transfiguración”. Deleuze asiente: una catástrofe en el acto de pintar es inseparable de un nacimiento. Es el origen mismo del color, de la pintura. Es quizás lo que algunos pintores desde siempre han buscado en la noche: “… me hace falta también una noche estrellada con cipreses ―quizá sobre un campo de trigo maduro…” (Van Gogh).
                                                                   Alicia Romero, Marcelo Giménez

El Museo de Arte Popular José Hernández inauguró el Salón de Arte Textil número 13


Este número es de buena suerte para el Museo de Arte Popular José Hernández y su Asociación de Amigos, y al cumplirse 13 años de la realización del primer Salón de Arte Textil, los organizadores doblaron la apuesta y organizaron una exposición en paralelo en homenaje a esta cifra tan emblemática. Más de 30 artistas y artesanos presentando obras asociadas al 13 en el jardín del museo, además de las más de 50 obras del tradicional Salón.

Adriana Neer. "Trasplante N° 6"
 
Con más de 50 obras seleccionadas, el Salón de Arte Textil fue declarado de Interés Cultural por la Legislatura del GCBA. 
Los artistas están invitados a presentar piezas utilizando diversas técnicas y materiales, que abarcan desde las estéticas tradicionales a las contemporáneas. Su material puede ser orgánico, inorgánico o sintético y se componen de urdimbre y trama. El criterio de selección del jurado permite brindar al espectador una muestra amplia y actual del arte textil. El jurado estuvo compuesto por las prestigiosas artistas Silvia Millet, Teresa Romanella y Liliana Rothschild.

Susana Bredt. "En red o enredados?"
 
Susana Bredt obtuvo el primer premio en Pequeño Formato con la obra ‘En red o enredados?’. Lo siguieron Victoria Eguiguren con ‘Guía de Vuelo para moscas’ y Nenu García S/T con el segundo y tercer premio. Las menciones fueron para Gabriela Cassano ‘De la serie Intersticios II’, De Michelis Emilia ‘El otro’, Reta Roxana ‘Palabra por palabra’. En Mediano Formato el primer premio lo obtuvo Adriana Neer con la obra ‘Trasplante N° 6’, Marian Cvik Adán y Eva y Mariana Mercolli Imágenes interiores el segundo y tercer premio, y las menciones se otorgaron a Isabel Polikowski Ditone ‘A puro color II’, Nani Hense de la serie naturaleza alterada “Alimento’, Mónica Sabatte ‘De colores’ y Marina Soria ‘Tejiendo palabras’.

La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 1 de octubre,  y se puede visitar de martes a viernes de 13 a 19 horas y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas. en Avenida del Libertador 2373, Buenos Aires, Argentina.

11 de agosto de 2017

Carlos María Pinasco Art+Consultant está presentando “Norah Borges. Creadora de ángeles”, muestra homenaje


"Figuras en un paisaje"
 
“Se que a mi lado hay una gran artista, que ve espontáneamente  lo angelical del mundo que nos rodea” Jorge Luis Borges, Milán 1977.

Un injusto olvido ha tenido, en los últimos años, Norah Borges (1901-1998)  la finísima artista, introductora del ultraísmo en la Argentina. En vida eludió halagos y distinciones y aceptó con modestia el rol de “hermana de Georgie”. Fallecida, la ausencia de sus obras en las salas porteñas impidió a las nuevas generaciones conocerla y disfrutar de su pintura. Su biografía registra una formación europea ligada a las vanguardias de inicios del siglo pasado y una personalidad deslumbrante que encuentra, ya retornada a Buenos Aires, un estilo propio de un lirismo excepcional.

"El limonero"
Esta muestra incluye una selección de óleos , témperas y acuarelas inéditas.
Carlos María Pinasco, (que durante 25 años dirigió Colección Alvear de Zurbarán), realiza ahora en su propio espacio inaugurado hace tres años un homenaje a esta excepcional artista.
La exposición permanecerá hasta fin de setiembre y se puede visitar de lunes a viernes de 12 a 20 horas, en Av. Quintana 125, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

9 de agosto de 2017

El MALBA presenta "Porque ¡yo escribo!", primera exposición retrospectiva de la artista Mirtha Dermisache


El jueves 10 de agosto MALBA inaugura "Porque ¡yo escribo!", primera exposición retrospectiva de la artista argentina Mirtha Dermisache (Buenos Aires, 1940-2012) en un museo. Entre la plástica y la escritura, la obra de Mirtha Dermisache se despliega en libros, cartas, textos, diarios y postales, formatos con los que experimentó las posibilidades de expresión de su trazo sobre el papel.

La exhibición constituye un recorrido completo por su producción, desde su primer libro realizado en 1967 hasta sus últimos trabajos colectivos de los años 2000. Incluye 140 piezas pertenecientes a colecciones privadas, además de un amplio conjunto de documentos provenientes del Archivo Mirtha Dermisache, que desde 2013 lleva adelante un minucioso trabajo de catalogación y registro de sus obras.
 
Nueve newsletters un reportaje, 2003. Colección MALBA
A lo largo de su carrera, Mirtha Dermisache desarrolló una obra caligráfica a través de “escrituras ilegibles”, término acuñado por Roland Barthes quien en 1971 manifestó gran interés por su trabajo y destacó su capacidad de alcanzar la “esencia de la escritura”. La artista se interesó especialmente por la capacidad editorial de sus obras, como una forma de problematizar la idea de originalidad. Estuvo vinculada al Instituto Di Tella, al CAYC y el Grupo de los 13 y se caracterizó por ser una artista solitaria e intimista en su obra escrita y sumamente abierta en su producción pedagógica.

“Desde el inicio, la obra de Dermisache aparece atravesada por la dualidad entre la búsqueda de libertad en la creación y el sometimiento a una serie de reglas, a una disciplina. Y, a la vista del conjunto de su trabajo desde 1967 hasta su muerte, esta dualidad va a ser una constante, indisociable de su tarea pedagógica, entendida como experiencia de un proceso inverso de aprendizaje: el desaprendizaje de ciertas ideas que impiden la libre expresión creativa”, explica el curador Agustín Pérez Rubio.
 
Lectura Pública 2, 2005-2006, tinta sobre papel
Las posibilidades de manipulación de los dispositivos editoriales convivirán en la sala de exposición con obras originales, interpelando al público sobre los aspectos más abstractos de la escritura, como el tiempo, la musicalidad y los ritmos, la plasticidad caligráfica, la significación, la sistematicidad y la relación con la tipografía. La exposición también da cuenta de los procesos creativos de la artista, que incluyen textos “legibles” y ejercicios, así como de su extensa labor pedagógica en el TAC (Taller de Acciones Creativas) y en las seis ediciones de las Jornadas del Color y la Forma (1974-1981), que derivó en una práctica de “obra x sumatoria” en la que involucraba a todos los participantes.

El proyecto expositivo se basa en un trabajo de investigación documental de tres años sobre su archivo personal, acervo que también será expuesto para contextualizar y conjugar facetas antagónicas y rectoras de su trabajo como la disciplina y la libertad de expresión, la edición y el original, lo masivo y lo individual. Junto con la exposición, se publicará un catálogo sobre su obra de 300 páginas –en doble edición español e inglés-, co-editado junto a Fundación Espigas y con el apoyo del Archivo Mirtha Dermisache y del Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA). 

Sin título, ca. 1970, tinta sobre papel
Mirtha Dermisache. Porque ¡yo escribo! continúa la serie de proyectos de sala 3 que buscan revisitar la producción de artistas mujeres que por diferentes motivos no han sido suficientemente reconocidas en su época, o cuyo trabajo aún no ha cobrado su real dimensión en la historiografía del arte contemporáneo. Desde 2015 se realizaron exposiciones monográficas de Annemarie Heinrich (Alemania, 1912 – Bs As, 2005), Teresa Burga (Perú, 1935), Claudia Andujar (Suiza, 1931. Vive y trabaja en Brasil desde 1954) y Alicia Penalba (Bs As, 1913 – Francia, 1982).

La exposición permanecerá hasta el 9 de octubre de 2017 y se puede visitar en la sala 3 del nivel 2 del MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415, Buenos Aires, Argentina. El horario del museo es: jueves a lunes: 12 a 20 hs. y miércoles: 12 a 21 hs. Martes cerrado. Más información en: www.malba.org.ar.

8 de agosto de 2017

Tres inauguraciones en el Espacio de Arte de Fundación OSDE

El 10 de agosto a las 19 horas el espacio de arte de la Fundación OSDE inaugura la exposición "Religión catódica" del artista colombiano José Alejandro Restrepo en la sala principal, "Oropel" de Maja Lescano en las salitas y "Un fuego de llama plana", una intervención de Daniel Basso en la vidriera. 
  
José Alejandro Restrepo. Iconomía, 2000/2013. Video instalación, 2 canales: Iconofilia (1h 15'), Iconoclastia (35')
 
Pionero del videoarte colombiano, José Alejandro Restrepo, vuelve al Espacio de Arte de la Fundación OSDE después de casi diez años con una exhibición individual: Religión catódica. Con curaduría de Jorge La Ferla, la exposición reúne catorce trabajos que incluyen proyecciones, video instalaciones y grabados. El título de la exhibición coincide con el del libro-catálogo que compila sus ensayos e investigaciones del último período. Investigaciones que encontraron en el video un medio posible para guardar memorias.

José Alejandro Restrepo. De la serie Misiones, 2011. Serigrafía sobre papel
 
Muchas de las obras elegidas para la muestra, como Caballero de la Fe, Iconomía, Viacrucis o La Verónica piensan el estatuto de la imagen y dan cuenta de un cuidado método de trabajo de su autor en el que clasifica, selecciona y experimenta con material de archivo televisivo. Él mismo habla de su tarea: “Si la historia pertenece a la gramática como sostenían los antiguos, aquí re-editar los materiales es una apuesta para generar otra escritura y otra narrativa de nuestra historia reciente.” 
José Alejandro Restrepo es un autor que persiste, con paciencia y agudeza, en denunciar la violencia en las imágenes que nos interpelan cotidianamente.
El curador de la exhibición observa: “Son lecturas para un relato crítico, que cuestiona los aparatos ideológicos del estado, asentados en los manuales escolares, los cantos patrios, los lugares comunes y los medios masivos de comunicación. Estas fricciones hacen de Restrepo un comentador privilegiado que procesa la realidad colombiana y, por extensión, del continente, a través de formas de representación que se concentran en la práctica híbrida de la instalación en el espacio expositivo.”
José Alejandro Restrepo. Santo Job, 2008.
Video proyección sobre gusanos de seda, 5'
Se han programado actividades en el marco de la exposición:
El viernes 11 de agosto a las 18 horas, se realizará un encuentro con el artista, donde comentará con el público las estaciones de Religión Catódica.
El viernes 8 de setiembre a las 18 horas, el encuentro será con Jorge La Ferla, curador de la exposición: Pasajes. Desde la idea original al montaje de Religión Catódica.
El jueves 21 de setiembre a las 18 horas, se realizará una mesa redonda sobre video, instalaciones, arte, política. Participan: Cecilia Rabossi (UBA), Ana Longoni (UBA) y Emilio García Wehbi (artista interdisciplinario). Modera: Jorge La Ferla.
Los viernes 29 de setiembre y miércoles 4 de octubre a las 15 horas se realizará un recorrido analítico por la exposición, cátedra Jorge La Ferla (FADU-UBA). 
Y, por último, el martes 26 de setiembre a las 18 horas, se desarrollará la mesa redonda "Instalaciones, editoriales, arte contemporáneo" alrededor de la obra de Restrepo y la exposición Religión Catódica, con la participación de Gabriel Boschi (FUC), Mariel Szlifman (FADU-UBA) y Julio Sánchez (FUC). Modera: Jorge La Ferla. 
 
Maja Lascano. Oropel, detalle
Con su obra Oropel, Maja Lascano interviene las salitas a partir de los motivos que las adornan, recrea una naturaleza viva y dorada. Al igual que las artes decorativas, piensa que lo que emula del reino vegetal es su forma de operar: una producción modular donde se abren paso las combinaciones, en un proceso continuo de mutación y adaptación. De esta manera, el ornamento se expande hacia la trama para componer esculturas textiles, blandas, afectivas y orgánicas.  
Oropel es un material que parece oro pero no lo es. Es también el nombre de una serpiente dorada.” En la primera sala, hay dos serpientes. Mientras cambian de piel, protegen la sala contigua y la pulsión de vida que ésta guarda. Detrás, volátil, suspendida entre la penumbra, crece una hiedra de capullos dorados. 

Daniel Basso. Proyecto 
 
Daniel Basso presenta en la vidriera del Espacio de Arte de la Fundación OSDE la intervención Un fuego de llama plana.
 El artista diseña una escena protagonizada por esculturas: una imagen que, en su profundidad, despierta el apetito visual de los ocasionales espectadores.
 
Teniendo en cuenta que la función original de la vidriera fue la exhibición de piezas mobiliarias, Basso propone rescatar ese aspecto del espacio y utilizarlo en favor del objeto.
 La escala de las piezas emplazadas, respecto del entorno, altera el sentido de la funcionalidad espacial, atravesándolo. Un cortinado y una alfombra de color serán el soporte de la escena. Las esculturas buscan establecer un diálogo formal y de sentido entre sus diferentes configuraciones.

La exposición se puede visitar hasta el 14 de octubre de 2017, de lunes a sábado de 12 a 20 horas, con entrada libre y gratuita, en el espacio de arte de la Fundación OSDE, Suipacha 658, primer piso, Buenos Aires,  Argentina. Domingos y feriados cerrado.

7 de agosto de 2017

La galería de arte Ruth Benzacar presenta “Horizonte de eventos” de Tomás Saraceno


"Horizonte de eventos" reúne las investigaciones recientes de Tomás Saraceno sobre el universo, entendido éste como un dominio expandido de interconexiones, y sobre “Ciudades Nubes”, su visión de ciudades modulares y transnacionales en el aire. Modelos de prácticas constructivas sostenibles y emancipadoras, sus esculturas flotantes e interconectadas generan un escenario que especula con formas de cohabitación alternativas y que busca llegar a un compromiso ético con la atmósfera y con el planeta Tierra. 
 
Nutrida por el mundo del arte, la arquitectura, la astrofísica, las ciencias naturales y sociales, la práctica artística de Tomás Saraceno es una secuencia de rastros, sendas y constelaciones que revelan las relaciones existentes entre lo microscópico, lo global y lo cósmico. De este modo, las obras escultóricas “Zonal Harmonics”, compuestas de órbitas sostenidas puramente por su tensión mutua, especulan sobre las variaciones de velocidad y geometría de las trayectorias de los cuerpos celestes y su relación entre sí en el espacio y el tiempo. 

La dinámica física transmitida por las obras se extiende desde las partículas microscópicas hasta las fuerzas gravitatorias planetarias. Las configuraciones flotan en el espacio; los arcos parecen doblarse, recomponerse y unirse como estructuras helicoidales moleculares; adentro, los filamentos atrapan universos minúsculos… Universos que Saraceno vuelve a encontrar en las complejas telarañas tridimensionales, no acaso consideradas por los cosmólogos analogías de la “red cósmica” en que habitamos, y que el artista ha investigado con aracnólogos y científicos durante más de una década.
 
El artista ha abordado los principios clave de la organización social: cooperación, co-habitación e hibridación. Estos principios son materializados en el prototipo de “Ciudad-Nubes” exhibido en el espacio de la galería.
Sugiriendo un desplazamiento conceptual de la atención hacia fenómenos más que humanos, Saraceno nos recuerda que todos flotamos en una nube cósmica, y propone nuevas formas sostenibles y ecológicas de vivir en la Tierra imaginando posibles futuros alternativos.

"Horizonte de eventos" inauguró el miércoles 2 de agosto con gran concurrencia de público y permanecerá en exposición hasta el sábado 16 de setiembre, de martes a sábados de 14 a 19 hs. en Ramírez de Velasco 1287, Villa Crespo, Buenos Aires, Argentina.

La Rural anuncia el lanzamiento de “Mucho Gusto, Drinks & Food”


Del 7 al 9 de setiembre, de 18 a 24 hs, el Pabellón Frers será el escenario donde las marcas de bebidas más exclusivas exhibirán todas las novedades de la industria. Además, la gastronomía estará presente con propuestas atractivas sobre ruedas: los aclamados “foodtrucks”, contarán también con intervenciones artísticas, música y tecnología.

“Mucho Gusto, Drinks & Food” es una explosión de sabores para todos los sentidos. Con el propósito de atraer a un público joven, dinámico e hiperconectado, este festival de estilo fusionará creatividad con una increíble puesta en escena y propondrá a los visitantes sumergirse durante tres noches, en un encuentro urbano donde podrán degustar vinos, cervezas, whiskys, licores y aperitivos, acompañados de una amplia oferta gastronómica, con platos ideales para maridar.

Otro atractivo serán las bandas en vivo que le pondrán ritmo a cada jornada con distintos estilos: rock, pop, blues, jazz y reggae. Dj´s set y áreas de juego completan la propuesta de este evento único en su estilo, que promete una experiencia inolvidable. 

Marcia Güttner, gerente de Ferias Propias de La Rural sostuvo “Con 'Mucho Gusto', apostamos a captar un público joven, de la nueva generación, a los que queremos ofrecerle una verdadera experiencia 360. Pensamos este producto en base a esos jóvenes,  hiperconectados, que tienen necesidades específicas y que cambian sus gustos muy rápidamente, lo que provoca que sean consumidores muy exigentes”.

Con la incorporación de este nuevo producto, La Rural amplía su portfolio siguiendo las últimas tendencias del mercado y poniendo especial atención a la demanda de un público cada vez más participativo.

"Mucho Gusto, Drinks & Food” se realizará el 7, 8 y 9 de setiembre de 2017 en el Pabellón Frers de La Rural (entrada por Av. Santa Fe 4363).
Horarios: jueves, viernes y sábado de 18 hs a 00 hs (la boletería cierra a las 23:30).
Costo de la entrada: $250 (prohibido el ingreso a menores de 18 años).

6 de agosto de 2017

En un mes llega la 13ª edición de BA'Photo, en La Rural, con Candida Höfer como artista invitada


BAphoto anuncia la realización de su décima tercera edición desde el 6 al 10 de setiembre de 2017 en La Rural, predio ferial de Buenos Aires. 
A través de su trayectoria, la feria se ha consolidado como un punto de referencia para la fotografía latinoamericana y un lugar de encuentro entre artistas, curadores, críticos, periodistas especializados y nuevos coleccionistas interesados cada vez más en este medio.

En 2016 la feria se trasladó a La Rural, un cambio que fue muy bien recibido por la prensa local e internacional. Este espacio representa una nueva etapa que busca fortalecer el campo de la fotografía y ampliar su mercado a nivel internacional.
La invitada de honor de la próxima edición de BAphoto será la reconocida artista alemana Candida Höfer, una de los integrantes de la destaca Escuela de Dusseldorf y con una amplia trayectoria internacional. La artista, quien será representada en la feria a través de la galería Thomas Zander (Colonia, Alemania), estará exhibiendo varias obras correspondientes a sus últimos quince años de producción. Además realizará una conferencia magistral para el público en el auditorio de la feria.
 


Entre los contenidos de este año, se destaca la segunda edición de la Feria Tijuana de Arte Impreso, integrada por editoriales especializadas en fotolibros de diferentes partes de Latinoamérica. Fuera de Foco, el sector de experimentación contemporánea cumple cuatro años y se consolida como uno de los intereses más atractivos de la feria. También continuará el sector de Special Projects para galerías internacionales curado por José Antonio Navarrete y aclamada sección Links Project, bajo la curaduría de Ariel Authier.
Continuando con su política de promoción federal de la fotografía, este año BAphoto hará una selección especial de las mejores cinco propuestas entre todas aquellas galerías de las provincias que apliquen a la feria y se les cubrirán los gastos del stand en un cien por ciento gracias al apoyo de los auspiciantes.
 

Cándida Höfer. Teatro Cervantes Buenos Aires, 2006

Desde su última edición, BAphoto estimula a las galerías a que presenten propuestas que trabajen la fotografía en un sentido abierto, permitiéndose integrar en sus stands proyectos de video, performances, instalaciones u otras disciplinas familiarizadas con el medio fotográfico. A su vez la feria se encuentra trabajando en nuevas propuestas curatoriales que permitan sumar protagonistas y ampliar el programa de adquisiciones para museos nacionales e internacionales.
BAphoto es dirigida por Diego Costa Peuser y forma parte de Arte al Día International, plataforma que también organiza PArC – Perú Arte Contemporáneo, Pinta Miami y las ediciones de Gallery Night en Buenos Aires y Punta del Este.

4 de agosto de 2017

La galería Jacques Martínez presenta la exposición “Antonio Berni: Graciela Amor y Antón Perulero”


Un libro de dibujos eróticos. Más de treinta cartas de amor. Los últimos meses de la vida de Berni, enamorado de su modelo. Dos nuevos personajes, Graciela Amor y Antón Perulero, que serán presentados al público por primera vez en la galería Jacques Martínez. 

La intención de esta exposición es dar a conocer a dos personajes cuya existencia hasta ahora ha permanecido casi desconocida. Esto supone un gran desafío por tratarse de un material, por un lado, sumamente importante dentro de la obra de Berni y, por otro, sumamente privado.
 
En las series de Juanito Laguna y Ramona Montiel, Berni crea collages con los elementos que forman parte de la vida cotidiana de estos personajes. Aquí, se transforma él mismo en personaje, Antón Perulero, y los materiales que utiliza son sus fantasías eróticas, sus deseos insatisfechos, sus celos, su amor, su enojo y el cuerpo desnudo de su modelo, Graciela Amor. Él nace como un alter ego de Berni, creado en un juego hecho a medida de Graciela Amor. Ella nace posando por primera vez en un enorme dibujo a lápiz y muere en una playa desierta.

Estos seis meses de relación interrumpida súbitamente con la muerte de Berni, se condensan en un libro de dibujos eróticos, collages y textos protagonizados por ellos; más de veinte cartas dirigidas a Graciela y su enorme retrato.
 
A diferencia del resto de la obra de Antonio Berni, ésta fue creada para una sola persona. Por este motivo, la galería propone una experiencia íntima y personal, como quien tiene el privilegio de espiar retazos de lo que fue una fugaz historia de amor.
Para respetar esa privacidad están prohibidas las reproducciones de todo tipo, por lo que estas obras, en el futuro, serán únicamente conocidas a través del recuerdo de quienes las vieron personalmente y aquellos que escucharon sus relatos. 
 
Por ese motivo, la galería solicita reservar turno para asistir a la exposición. Los turnos serán de 20 minutos e individuales. Sacar turno aquí
La exposición permanecerá hasta el 1º de setiembre.
Ante cualquier duda o consulta, comunicarse vía telefónica al 4381-7458 o por mail a info@galeriajacquesmartinez.com.

El Centro Cultural Rector Ricardo Rojas presenta “Fragmentos de una historia de la microedición” (en tapas de fanzines y otras publicaciones) + “Pimp My Factura”


El Centro Cultural Rector Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires presenta dos exposiciones: "Fragmentos de una historia de la microedición", adelanto del Festival Fanzine que se realizará 1 y 2 de diciembre de 2017, y "Pimp My Factura".

La exposición “Fragmentos de una historia de la microedición” (en tapas de fanzines y otras publicaciones), basada en las colecciones de Julián Oubiña Castro, Max Vadalá, Alejandro Schmied y Fanzinoteca La Rata, ha sido curada por Alejandro Bidegaray y Alejandro Schmied y se puede visitar hasta el 28 de agosto.
Fragmentos que cuentan una historia de lo pequeño, de lo local, lo efímero. El boca en boca, el mano en mano. La puesta en cuerpo de una comunicación urgente.
Las escenas, los ambientes, los guetos, los rincones, los márgenes, las fugas. Una historia de la información y la cultura subterránea. Auténticos chispazos de luz personal en la oscuridad de la información hegemónica. Sociabilidades en territorios propios y ajenos. Oposiciones, nuevas subjetividades posibles.
Lo pequeño, lo ignoto, pero también lo indómito, lo salvaje. La información directa, y por eso, casi siempre, la más verdadera.
Recorriendo estas tapas de fanzines, publicaciones ocasionales y microediciones, esta convergencia de lo pequeño, intentamos también acercarnos a la Gran Historia de la cultura alternativa de las últimas cuatro décadas en Buenos Aires y su periferia.

"Pimp My Factura", por otro lado, es un proyecto que busca convertir en arte las deudas que los jardines comunitarios acumulan en facturas. Participan 40 artistas de siete países.
El valor de las obras es el mismo que el del documento intervenido. Cada cuadro vendido representa una deuda saldada, un material comprado o un arreglo realizado.
Permanecerá hasta el lunes 14 de agosto.

Ambas muestras se pueden visitar de lunes a sábado de 8 a 20 hs. con entrada gratuita, en Av. Corrientes 2038, ciudad de Buenos Aires.

3 de agosto de 2017

Reapertura del Museo de Arte Español Enrique Larreta

El Museo de Arte Español Enrique Larreta reabrió sus puertas tras un proceso de puesta en valor de su patrimonio artístico y arquitectónico, con la nueva dirección a cargo de la Lic. Delfina Helguera.

A través de un programa de mejoras propuesto por la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico de la Ciudad de Buenos Aires, se emprendió una puesta en valor integral del edificio con el fin de devolver su esplendor original a la casa del escritor. Este trabajo, realizado en parte gracias al aporte del Mecenazgo Cultural, apuntó a mejorar las condiciones ambientales del museo haciéndolas más adecuadas para el espectador y la colección. El proyecto incluyó la renovación del guión museológico y museográfico a cargo de Patricia Nobilia y de Valeria Keller, en conjunto con los equipos de montaje, investigación, diseño, conservación y restauración del museo; la instalación de un nuevo sistema de iluminación y climatización con una tecnología equiparable a los principales museos del mundo; la restauración de los pisos originales del hall central y la renovación general del jardín andaluz. 
 
El nuevo guión museológico aborda la figura de Enrique Larreta desde sus múltiples facetas: el escritor y su novela histórica "La gloria de Don Ramiro. Una vida en tiempos de Felipe II" (1908), el diplomático y su vida como embajador en Francia, y el coleccionista junto a su colección de arte español centrada en los siglos XVI y XVII que incluye pinturas, esculturas, mobiliario, cerámica, además del espacio arquitectónico elegido para albergarla. El recorrido está organizado a partir de diferentes ejes temáticos que dan cuenta de la resignificación y la vigencia que adquieren en nuestros días los asuntos planteados por Larreta, como la diversidad cultural, la religión y el poder. Se destaca también el valor artístico de obras medievales, renacentistas y barrocas, muchas de ellas únicas en Argentina.

"Retablo en Honor a Santa Ana"
Ejemplo de ello son, el "Retablo en Honor a Santa Ana" realizado en 1503 por el maestro de Sinovas, maravilloso ejemplo del estilo gótico tardío que floreció en España en la época de los Reyes Católicos; el altorrelieve de "Jesús en el Monte de los Olivos", del taller de Alonso de Berruguete o los retratos de corte, del taller de Alonso Sánchez Coello. Especial mención merece el "Retrato de Enrique Larreta", pintado por Ignacio Zuloaga en París en 1912, que representa al escritor con el fondo de la ciudad de Ávila, escenario principal de su novela.
El desafío de la nueva dirección es preservar la memoria, conservar el legado y adecuarse a los tiempos que corren. Como un museo del siglo XXI, el Museo Larreta se propone como un espacio abierto a la comunidad, un lugar de encuentro y producción de contenidos, con propuestas expositivas y culturales de calidad en el que los visitantes puedan disfrutar de la capacidad transformadora del arte y la cultura.

Jardín del Museo Larreta
Los visitantes podrán disfrutar del patrimonio, la biblioteca, el jardín y las propuestas expositivas y culturales de calidad de martes a viernes de 12 a 19 hs. y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 hs. en Juramento 2291, Buenos Aires, Argentina.
Mirá todas las fotos en facebook.

2 de agosto de 2017

Buenos Aires Moda en Espacio Darwin


El próximo 17 y 18 de agosto se realizará la edición número #59 de Buenos Aires Moda en Espacio Darwin Palermo. El evento que convoca lo mejor de la moda, es una vez más el punto de encuentro que eligen compradores mayoristas, marcas, diseñadores y prensa de Moda. 
En esta edición se suman novedades para ambas jornadas: la incorporación de la venta minorista y charlas con profesionales destacados del mercado. 
Con el único objetivo de seguir creciendo, Buenos Aires Moda da el paso necesario para ampliar los nichos de la industria y crecer como referente en la agenda de la moda. Las mejores Marcas & Diseñadores de Indumentaria Urbana, Pret, Moda Íntima,  Accesorios, Carteras y Zapatos, se encontrarán presentando sus colecciones Primavera - Verano 2017/18.

Los showrooms y los desfiles contarán con la presencia de 40 marcas. Así los compradores podrán acceder a los productos con la presentación de total look creado por cada marca, además de poder comprobar la calidad, diseño y stock. 
Como todos los años, Buenos Aires Moda cuenta con empresas de todos los rubros para poder satisfacer las necesidades de los locales multimarca. Al abrirse la feria para la compra minorista, no solo se amplía la convocatoria de asistentes, sino también les da a los comerciantes la oportunidad de  obtener en el momento muestras de los productos y testear una nueva oportunidad de negocios viendo a los consumidores interactuar.

Buenos Aires Moda es un foro de negocios de moda ya instalado en la industria y reconocido como el principal promotor de la venta mayorista en el rubro. Las presentaciones de las colecciones son una de las actividades más esperadas por prensa y compradores. Presentaciones de alianzas, performance y colecciones listas para la temporada alta se suceden en la pasarela con la producción integral de los organizadores de la exposición.

En esta edición Buenos Aires Moda sumará artistas que intervengan en vivo sus obras despegándose de los tradicionales eventos de negocios. La fusión de diseño, arte e industria reunida en un solo lugar, dispuestos a ampliar la mirada en pos de seguir las nuevas tendencias de consumo.

Por último, Buenos Aires Moda presenta un nuevo espacio de Charlas & Conferencias con profesionales destacados de la industria. Con el objetivo de aportar valor agregado, estas charlas tienen como objetivo brindar información relevante que actualicen el conocimiento y la dinámica en los #NegociosDeModa

Tendencias verano 2018 
17 agosto, 15 hs.: a cargo de Miriam Nuñez, directora de la Escuela Argentina de la Moda. 
Desafíos del mercado de la moda
18 agosto, 15 hs.: a cargo de Favio Barón, director de Fashion Market.

Esta edición de Buenos Aires Moda se desarrollará el 17 y 18 de agosto, de 13 a 21 horas, en Espacio Darwin Palermo, Niceto Vega 5350, Buenos Aires, Argentina.

América en Colores le rinde homenaje a Antonio Pujia, a través de una muestra de pintura con cera, en Asociación Estímulo de Bellas Artes


América en Colores, el proyecto creado por los artistas Analía Romero y Nicolás Ramón Boschi, que combina viajes por el continente y pinturas de sus diferentes paisajes y culturas, invita a la muestra "Encáusticas, homenaje al Maestro Antonio Pujia", que se llevará a cabo del 4 al 12 de agosto, en la Asociación Estímulo de Bellas Artes.

Esta será la primera muestra de pintura con cera (encáustica), que se realice en la ciudad de Buenos Aires. Las obras expuestas surgen del último viaje que América en Colores realizó a México, en febrero de 2017. Como parte del homenaje, habrá un cuadro  dedicado al maestro Antonio Pujia, quien les transmitió el uso de esta técnica milenaria a los artistas.     
Nicoles Ramon Boschi. Tenochtitlán, encáustica
Las obras de Analía Romero giran en torno al sincretismo americano. Allí se puede vislumbrar la irrupción de la cultura de la Conquista sobre la simbología originaria y cómo esa síntesis sigue vigente en la actualidad de México y América Latina. En el caso de Nicolás Ramón Boschi, el otro integrante de América en Colores, cada uno de los cuadros hace referencia a un cuento de "Memorias del Fuego", de Eduardo Galeano, y en ellos también se representa el sincretismo cultural americano.

Utilizada por los egipcios para sus policromías y más tarde redescubierta por los muralistas mexicanos, la encáustica es una técnica de pintura realizada a base de cera virgen de abeja. América en Colores realizó, en septiembre de 2015, la primera muestra con esta técnica en nuestro país.

Antonio Pujia frente a un cuadro de América en Colores 
 
“La encáustica llegó a nosotros gracias al maestro Antonio Pujia, que nos enseñó los principios básicos del comportamiento de la cera, su utilización tanto en la escultura como en la pintura y sobre todo el amor a este noble material que nos permitió abrir el campo de investigación”, señaló Analía Romero. Por eso, Antonio Pujia será el homenajeado de esta muestra, donde habrá un cuado especialmente dedicado a él.

El evento se realizará en una sala emblemática, tanto para el propio Pujia como para la historia del arte argentino. Allí, a fines del siglo XIX se dieron los primeros Talleres Libres, que a principio del XX se convirtieron en la Academia de Bellas Artes. Grandes artistas, como Eduardo Sivori, Ernesto de la Cárcova y Pio Collivadino, entre otros, formaron parte de esos talleres. Y Pujia, más tarde, dictó clases y realizó muestras allí. 

Encáustica homenaje a Pujia 
 
El 12 de agosto, día de cierre de la muestra, entre las 17 y las 19 hs., Antonio Pujia -junto con los integrantes de América en Colores- dictará una clase de cera para el uso artístico en la escultura y en la pintura (encáustica). La misma será a beneficio de Asociación Estímulo Bellas Artes y tendrá un costo de $ 200. Los interesados deberán inscribirse llamando al 4312-3274.  

La exposición inaugura el 4 de agosto de 19 a 21 hs. y se puede visitar hasta el 12 de agosto, de lunes a viernes de 16 a 20 hs. en Asociación Estímulo de Bellas Artes, Córdoba 701, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Entrada libre y gratuita.

1 de agosto de 2017

Desde agosto cursos y talleres de literatura en la Asociación de Amigos del Bellas Artes


A partir de agosto de 2017, la Asociación de Amigos del Bellas Artes ofrece cursos de literatura nórdica, literatura rusa, vanguardias poéticas, literatura y series de televisión y una variedad de propuestas en talleres de escritura con distintos enfoques y para distintas edades.
La programación de literatura que propone Amigos del Bellas Artes para la segunda mitad del año es imperdible.
Información detallada de cada curso en: http://www.aamnba.org.ar/literatura_ago_nov_2017.php.
Inscripciones en: Av. Pdte. Figueroa Alcorta 2280, Buenos Aires, de lunes a viernes de 10 a 20 horas y sábados de 10 a 13 horas, o en el hall del Bellas Artes, de martes a viernes de 11 a 20 hs., sábados y domingos de 10 a 20 hs. Pagos telefónicos con tarjeta de crédito: 4803-4062 / 4804-9290. Interno 215. Consultas: cursos@aamnba.org.ar.